Edler Schmuck als tragbare Kunst

NEW YORK Vor Tausenden von Jahren reihten männliche Alpha-Höhlenmenschen Stränge aus bunten Perlen aneinander, um die Höhlendamen zu beeindrucken. Heute versuchen ihre privilegiertesten Nachkommen möglicherweise, den Trick mit Diamantringen im Wert von mehreren Millionen Dollar zu vollbringen. In der Art und Weise, wie Schmuck hergestellt wird, hat sich viel verändert und wahrgenommen, doch eine grundlegende Idee verbindet sie: Im Laufe der Geschichte wurde Schmuck als persönlicher Schmuck definiert, was eine schicke Art ist, zu sagen, dass er tragbar ist. Das mag offensichtlich erscheinen, aber an einem regnerischen Nachmittag im letzten Monat waren Besucher der Gagosian Gallery auf Madison Avenue waren sich nicht ganz sicher, was sie von den mit Edelsteinen besetzten Schlangen und zitternden Blumen halten sollten, die von Glasvitrinen geschützt waren, die wie Silos im Raum verteilt waren. Die Displays, die jeweils in einen Heiligenschein aus LED-Licht getaucht waren, erinnerten an Vivarien, die von einem verrückten Schmuckwissenschaftler liebevoll gepflegt wurden. Soll es getragen werden? fragte eine Frau und blickte auf ein Schlangenarmband, das um einen schroffen silbernen Sockel gewickelt war. Das Stück war eines von 20 Juwelen in Gagos‘ Precious Objects-Ausstellung, einer Ausstellung unabhängiger Arbeiten des in Paris ansässigen Juweliers Victoire de Castellane. Die Ausstellung endete Ende April nach sechswöchiger Dauer in der Galerie. Jeder, der Ms. de Castellanes tiefe Hingabe an die weibliche Form weiß, dass die Antwort auf diese Frage ein klares Ja ist. „Ich denke, Schmuck hat wirklich etwas Sinnliches“, sagte sie kürzlich in einem Skype-Interview. Ich liebe die Idee, dass es ein Teil von dir ist, als wäre es eine Kontinuität deiner Haut. Tagsüber ist Frau de Castellane entwirft edlen Schmuck für Dior, eine der führenden Luxusmarken Europas. In ihrer Freizeit kocht sie unverschämte, äußerst wertvolle Oden an die Weiblichkeit. Precious Objects, das Stücke zu Preisen zwischen 150.000 und 600.000 US-Dollar enthielt, war Ms. de Castellanes zweite Show im Gagosian. Ihr erstes Stück, die Baudelair-Extravaganz „Fleurs dExcs“ aus dem Jahr 2011, zeigte zehn Blumenjuwelen, von denen jeder eine Frau in der ekstatischen Umarmung einer anderen Droge darstellte. Sie stellte beispielsweise Kokain als eine mit Diamanten besetzte Blume mit blauen Lackblättern dar, die auf einer Discokugel aus silbernem Rutilquarz thront. Während die Stücke in „Fleurs dExcs“ überschwänglich, voluminös und psychedelisch sind, sind die Juwelen in „Ms. de Castellanes Serie 2014, animalvegetablemineral, wirkt auf den ersten Blick zurückhaltender. (Precious Objects enthält Arbeiten aus beiden Serien, wobei der Schwerpunkt auf den neueren liegt.) Anstatt unzählige Edelsteine ​​und Mineralien zu verwenden, hat sie ihre Palette auf die klassischen Edelsteine ​​beschränkt: Diamant, Rubin, Saphir und Smaragd, mit Ausnahme eines spektakulären 28-Karat-Opal und großzügige Lackapplikationen in mehrfarbigen Farbtönen. Einer der auffälligsten Aspekte von animalvegetablemineral ist die Aufmerksamkeit, die Ms. de Castellane hat jedem Schmuckstück einen einzigartigen Silbersockel verliehen. Die Stände haben eine von drei Formen: Die Tierstücke, alles Schlangen, winden sich um robuste Sandgussformen, die von den künstlichen Felsen des Affengeheges im Zoo Bois de Vincennes in Paris inspiriert sind, wo der Künstler als Kind Zeit verbrachte; die pflanzlichen Juwelen sind auf hochglanzpolierten Silbertröpfchen gelagert; und facettierte Blöcke, die mithilfe der Rapid-Prototyping-Technologie hergestellt wurden, stellen die Mineralstücke zur Schau. Die Idee war immer: Was passiert mit den Juwelen, wenn man sie nicht trägt? MS. sagte de Castellane. Für mich ist es sehr seltsam, ein Juwel zu sehen, das nicht getragen wird. Also baute ich ein kleines Haus für sie. Ihre eigenwillige Herangehensweise an Schmuck, bei dem sie ihn sowohl als persönlichen Schmuck als auch als öffentliche Skulptur betrachtete, machte für Gagosian einen Teil der Anziehungskraft aus, sagte Louise Neri, eine Direktorin der Galerie. Frau de Castellane ist der erste und einzige Feinjuwelier, den Gagosian vertreten hat. Ihre Arbeit ist unverkennbar, etwas, nach dem wir bei Künstlern immer suchen, egal in welchem ​​Medium sie arbeiten, Frau sagte Neri. Sie arbeitet in diesem exklusiven Umfeld des edlen Schmucks und versucht dennoch, mit bestimmten Traditionen zu brechen, und ihre Sprache ist klar. Wenn nur das Lexikon der Schmuckindustrie so klar wäre. In den letzten Jahren hat der Begriff „tragbare Kunst“ an Bedeutung gewonnen, meist zur Beschreibung eines Schmuckstücks mit skulpturalen Qualitäten oder aufwändiger Konstruktion. „Aber wann oder ob edler Schmuck als Kunst gilt, bleibt ein Thema leidenschaftlicher Debatten. Mein ehrliches Gefühl, der meiste Schmuck ist keine Kunst“, sagte Tim McClelland, ein Juwelier in Great Barrington, Massachusetts, der am Programm für Kunsthandwerk der Boston University ausgebildet wurde Ende der 1970er Jahre. „Jeder, der heutzutage etwas macht, möchte das Gefühl haben, ein Künstler zu sein“, sagte Herr. McClelland, der mittlerweile die eine Hälfte des Duos hinter der Schmuckmarke McTeigue bildet & McClelland, aber nicht viele Dinge rechtfertigen diesen Spitznamen. Im 20. Jahrhundert gab es viele Künstler, oft Bildhauer, die sich dauerhafte Nischen im Schmuckbereich schufen. Alexander Calders handgefertigte, einzigartige Ornamente bereiteten die Bühne für die Kunstschmuckbewegung nach dem Zweiten Weltkrieg; Art Smith, ein fester Bestandteil der New Yorker West Village-Szene, wurde für seine modernistische Ästhetik gefeiert. Viele andere, zum Beispiel Salvador Dal und Georges Braque, kauften für einen kürzeren Aufenthalt Schmuck. Sogar Pablo Picasso beschäftigte sich mit dem Medium; Im März wurden zwei Silberanhänger und eine Silberbrosche, die er zu Beginn seiner Karriere geschaffen hatte, bei Skinner Auctioneers in Boston für fast 400.000 US-Dollar an einen Sammler verkauft. Allerdings gibt es deutlich weniger Juweliere, die sich in die Kunstwelt zurückgearbeitet haben. Während niemand Ren Lalique oder Peter Carl Faberg ihren Platz auf der Liste der Geschichtskünstler gönnen würde, bedarf es eines ganz besonderen Juweliers, um von der Kunstszene unterstützt zu werden. Dies könnte die tief verwurzelte Vorstellung des Künstlers als Dachstube widerspiegeln, jemand, der Schwierigkeiten hat, selbst preiswerte Materialien wie Leinwand oder Ton zu beschaffen. Unglücklicherweise beginnt man als Juwelier mit diesem intrinsischen Wert, und historisch gesehen ist es das, was diese Dinge haben immer danach beurteilt worden, sagte der britische Juwelier Stephen Webster. Es ist wirklich schwierig, sich davon zu lösen. Ab den 1940er Jahren trug der Aufstieg der Studioschmuckbewegung in den Vereinigten Staaten dazu bei, diese Unterscheidungen zu festigen. Kunstjuweliere wie die von der Kritik gefeierte Konstruktivistin Margaret de Patta waren dem kommerziellen Unternehmertum gleichgültig und widmeten sich dem Schmuck als Mittel, um komplizierte Vorstellungen über Struktur und Raum auszudrücken Teure Materialien beginnen zu verblassen, sagte Ursula Ilse-Neuman, Kuratorin für Schmuck am Museum of Arts and Design, MAD, in New York. Wenn Sie ein Stück von Tiffany oder Harry Winston kaufen, geht es immer noch um Investitionen, sagte Frau sagte Ilse-Neumann. Im Kunstschmuck sind diese Stücke nicht nur dekorativ, sondern vermitteln auch eine Botschaft oder Bedeutung, selbst wenn es sich nur um das Tragen von verrostetem Eisen handelt. Die Spannung zwischen materiellem Wert und konzeptioneller Strenge kommt am besten in der genreübergreifenden Arbeit von Daniel Brush zum Ausdruck New Yorker Künstler, bekannt für die Herstellung fein gearbeiteter Objekte aus Aluminium, Stahl und Gold sowie für seine Ambivalenz gegenüber kommerzieller Attraktivität und seine Missachtung der Tragbarkeit. Kann es getragen werden? ein Reporter, der Mr. besuchte fragte ihn Brushs Loft letzten Monat, als er einen Aluminiumgegenstand in Form eines Armreifs, der mit Moguldiamanten besetzt war, ans Licht hielt. „Das ist ein utilitaristisches, funktionales Konzept“, sagte er. Du könntest dir einen Essteller auf den Kopf stellen.Mr. Ungeachtet aller Pinselstriche sui generis, die sich mit dem Thema befassen, scheint sich hinter kostbarem Schmuck, der sowohl getragen als auch wegen seines künstlerischen Werts geschätzt werden kann, eine Dynamik aufzubauen. „Diese Barriere wird gerade abgebaut“, zitiert die Schmuckhistorikerin und Autorin Marion Fasel , neben anderen Beispielen, Frau de Castellanes Gagosian Show. Im vergangenen Jahr hat das de Young Museum in San Francisco „The Art of Bulgari: La Dolce Vita“ gezeigt & Darüber hinaus, 1950–1990; das Grand Palais in Paris empfing Cartier: Stil und Geschichte; und das Metropolitan Museum of Art veranstaltete „Jewels by JAR“ des in den USA geborenen und in Paris lebenden Joel Arthur Rosenthal. Vom 20. bis 9. März war die erste Mets-Show, die einem zeitgenössischen Juwelier gewidmet war. Es erhielt harte kritische Kritiken, lockte aber mehr als 257.000 Menschen an, was deutlich macht, dass sagenhaft teure Schmuckstücke tatsächlich ein Publikumsliebling sind. Diese Vorstellung wird derzeit mit „India: Jewels that Enchanted the World“ auf die Probe gestellt, das am 12. April im Moskauer Kreml eröffnet wurde und läuft bis zum 27. Juli. Mit mehr als 300 Juwelen und juwelenbesetzten Objekten aus fünf Jahrhunderten indischem Erbe konzentriert sich die Ausstellung auf die gegenseitigen Einflüsse von Ost und West, sagte ihr Organisator Alex Popov. Die Kreml-Ausstellung ist in zwei Hallen unterteilt. In einem Saal werden südindische und frühmogulische Stile behandelt, die ihren Höhepunkt in der Arbeit des verstorbenen Munnu Kasliwal finden, dessen Beherrschung traditioneller indischer Handwerkskunst dazu beitrug, das Einzelhandelsgeschäft seiner Familie, den Gem Palace in Jaipur, zu einem echten Touristenziel zu machen. Der zweite Saal ist eine Hommage an den Schmuck der späten Moguln und Nizams sowie an die reiche Tradition indowestlicher Designs, die von Cartier, Chaumet und anderen französischen Häusern perfektioniert wurden. Bei der Beurteilung des künstlerischen Werts der im Kreml ausgestellten Stücke beurteilte Herr Popov zog einen Vergleich: Sie befinden sich in einem riesigen Hotel in Las Vegas und in jedem Korridor befinden sich Kunstwerke und Gemälde. Man bewegt sich weiter, man sieht sie nie. Dann sehen Sie ein wunderschönes Gemälde und bleiben stehen. Warum hörst du auf? Weil es etwas in dir bewegt. Mit Schmuck ist es genau das Gleiche. Gehören Juweliere also zur Welt der Kunst oder des Handwerks? Glenn Adamson, der neu ernannte Direktor von MAD, argumentiert, dass das keine Rolle spielen sollte. Im 21. Jahrhundert seien Kategorien zwar Bezugspunkte, aber nicht sehr nützlich als Behälter für Menschen, sagte er. Ob nützlich oder nicht, das Imprimatur eines Künstlers, ganz zu schweigen vom Zugang zu seinen wohlhabenden Bewunderern, übt immer noch eine starke Anziehungskraft aus für Schmuckhäuser, was möglicherweise erklärt, warum so viele jetzt Künstler für die Arbeit an gemeinsamen Projekten rekrutieren. Im März beispielsweise veröffentlichte Hemmerle, ein in vierter Generation familiengeführter Juwelier in München, einen Gedichtband mit dem Titel „Nature's Jewels“, kuratiert von der Schriftstellerin Greta Bellamacina und zeitgleich mit der Enthüllung einer hyperrealistischen, von der Natur inspirierten Schmuckkollektion. Später in diesem Monat schloss sich der Schweizer Juwelier Chopard mit der Künstlerin Harumi Klossowsky de Rola zusammen, die ein luxuriöses Bestiarium aus Ringen, Armbändern und Ohrringen entwarf, das auf der Luxusmesse Baselworld sein offizielles Debüt feierte. Webster, der häufig mit einigen der fettgedruckten Namen der Kunstwelt zusammenarbeitet, gab kürzlich bekannt, dass er Anfang 2015 eine Schmuckkollektion kreieren wird, die seine Interpretation der Arbeit der britischen Künstlerin Tracey Emin sein wird, einer engen persönlichen Freundin. Nachdenken über die Kluft das hat Juweliere wie Mr. schon lange getrennt. Webster von künstlerischen Berühmtheiten wie Ms. Emin, Herr Adamson lehnte die Vorstellung ab, dass es in der Kunstwelt Pförtner gebe, die den Juwelieren ihre Rechte verweigern. „Es ist nicht so sehr schwierig, Schmuck als Kunst ernst zu nehmen, sondern vielmehr, dass es schwierig ist, gute Kunst zu machen“, schlussfolgerte er.