Das Goldene Zeitalter der Nachkriegszeit von Christian Dior kommt ins ROM

Aber es bedeutete auch eine Kehrtwende für Frauen, die ihre Kriegsjobs an Männer zurückgaben. Das bedeutete, dass sie ihre Fabrikoveralls gegen Miederwaren aus dem 19. Jahrhundert und einige sehr sperrige Kleidungsstücke eintauschten, um wieder für den Haushalt zu sorgen. Die New-Look-Outfits stellten hohe Ansprüche an die Trägerin. Sie waren schwer, schränkten Bewegung und Atmung ein und erforderten einen oder zwei Assistenten, um sie anzuschnallen. Kaum befreiend.

Anlässlich des 70. Jahrestages der Gründung des Hauses wird am 11. November im ROM eine Ausstellung mit dem Titel „Christian Dior“ eröffnet. 25 und läuft bis zum 18. März. Es umfasst das goldene Zeitalter des legendären Designers, das Jahrzehnt von 1947 bis 1957. Die Ausstellung wird von Holt Renfrew gesponsert – das Luxuskaufhaus war das erste, das die Arbeiten des französischen Couturiers nach Kanada brachte.

Die Frage, wie diese handgefertigten Wunder der französischen Couture-Ateliers den transatlantischen Handel und das Leben von Frauen hier in Toronto beeinflussten, war das Hauptaugenmerk von ROM-Kurator Dr. Alexandra Palmers wissenschaftliche Sammlung.

Palmer, leitende Kuratorin, Nora E. Vaughan, Kuratorium für Modekostüme, hat mehr als 100 Objekte ausgewählt, darunter 38 Outfits aus der permanenten Mode- und Textilkollektion des ROM, die Tageslooks, Abendgarderobe und Ballkleider für große Anlässe präsentiert. Es gibt auch geliehene Accessoires und Beispiele der aufwendigen Stickereien, die das Haus Dior in dieser Zeit verwendete.

Im Vorbereitungsprozess für die Ausstellung hat das Museumsteam die unglaublich komplexen Muster nachentwickelt, gewogen und gemessen und detektivische Arbeit an den Details der tatsächlichen Stücke geleistet, um so ihre Verbindungen zur historischen Mode zu beleuchten. Viele dieser Kleider wurden von Prominenten aus Toronto und Montreal gespendet, die diese Stücke hier in Kanada trugen.

Sie entdeckten auch, wie umständlich diese Stücke tatsächlich zu tragen waren. Für diese Kleider wurde „eine atemberaubende Menge Material“ verwendet, sagt Palmer. Um den Rock für das formelle Ballkleid „Isabelle“ von 1948 anzufertigen, das ein Highlight der Ausstellung darstellt, verwendete Dior zwei komplette Materialkreise, etwa 13 Meter Stoff, oder um es ins rechte Licht zu rücken, genug, um ein paar Sofas zu bedecken.

Diese fröhliche Extravaganz sei das Herzstück des New Look gewesen, sagt sie. Die Notizen zur Show, die auf benutzerfreundlichen iPads präsentiert werden, stehen im Kontrast zur altmodischen Formalität der darin beschriebenen Gegenstände und zitieren ein Zitat von Dior selbst aus dem Jahr 1956: „Der Krieg war vorbei …“ Welche Rolle spielte das Gewicht meiner kostbaren Materialien, meiner schweren Samte und Brokate? Als die Herzen leicht waren, konnten bloße Stoffe den Körper nicht beschweren.“ Der Saum hatte einen Umfang von fast 14 Metern: das sind viele Hände (oder Petites Mains im Sprachgebrauch des Couture-Ateliers) und viel Nähen. Das Atelier arbeitete mit Meisterstickern zusammen. (In der Ausstellung sind Werke von drei Stickereihäusern vertreten, die Dior in diesem ersten Jahrzehnt beschäftigte – von denen zwei längst nicht mehr existieren.) Außerdem maßgefertigte Schuhe (einige davon aus dem Bata-Schuhmuseum ausgeliehen), Accessoires, Schmuck und Hüte. Die Ausstellung wird die außergewöhnliche und fast verlorene Handwerkskunst der Kunsthandwerker hervorheben, die „außergewöhnliche Bänder, Perlen, Pailletten und Stickereien herstellten, die Dior mithilfe seiner fantasievollen Modellmacher, Schneider und Näherinnen in seine Kleider einarbeitete“, sagt Palmer.

Das Dior-Atelier verfügte über eine eigene Kabine oder ein ständiges Team von Schaufensterpuppen (auch bekannt als Models), und jedes Kleid wurde einer bestimmten Schaufensterpuppe angezogen und von dieser getragen. Die meisten Mannequins trugen übrigens nur einen Namen, waren also eigentlich der Prototyp moderner Supermodels. Jedes Kleid in der Ausstellung konnte auf die Schaufensterpuppe zurückgeführt werden, die es in der ursprünglichen Show trug.

„Dior zeigte einen kompletten Look, das Gesamtpaket“, sagt Palmer. Aber die Geschichte, was aus den Kleidern wurde, gehört den Besitzern. Bevor Designer-„Vintage“ zu einem so überhitzten Markt wurde, spendeten Prominente ihre Pracht an Museen zur ordnungsgemäßen Aufbewahrung und Untersuchung. „Das Fenster dazu schließt sich“, sagt sie.

Christian Dior aus der Nachkriegszeit ist ein starker Vertreter der ROM-Archive. Zu den Beispielen der Ausstellung gehört ein spektakuläres Cocktailkleid aus der Herbstsaison 1957 mit dem Namen „Venezuela“, das ein Geschenk der Torontoer Philanthropin Carol Rapp war. Und der Nachlass von Molly Roebuck spendete das Dior-Kleid der damals 12-jährigen Elaine Roebuck, ein Seidenorgandy-Konfekt mit Baumwollstickerei, das sie im Frühjahr 1957 zu ihrer Bat Mizwa in Toronto trug. Das Kleid des jungen Mädchens zeigt den Dior-Stil in einer altersgerechteren Umsetzung.

Die Frage für Palmer lautet: „Warum war Dior erfolgreich?“ Ja, er hatte in einer Zeit des Wirtschaftsbooms vermögende Investoren. „Aber die Leute mussten sich trotzdem darauf einlassen“, sagt sie, und die Rückkehr zu engeren Stilen nach den Freiheiten der Kriegskleidung erscheint zunächst kontraintuitiv. Aber bei Mode geht es ja auch um Reaktion. „Die 50er mussten passieren, damit die 60er passieren konnten“, sagt sie.

Dior hatte „eine sehr starke Idee“, sagt sie, die mit dem Aussehen von Frauen übereinstimmte. „Es ist mehr als ein langer Rock, eine betonte Taille und abgerundete Schultern.“ Palmer hat ein Kleid aus dem 19. Jahrhundert in die Ausstellung aufgenommen, um die Art von Techniken zu veranschaulichen, die Dior wiederbelebte, darunter Doppelmieder und Korsetts. „Aber gleichzeitig war das Couture-Atelier sein Forschungs- und Entwicklungslabor“, sagt sie, und man sieht, wie Ideen aus früheren Kollektionen in den folgenden Jahren erweitert werden.

Ein herausragendes Schmuckstück, das für die Ausstellung ausgeliehen wurde, stammt von der bekannten Torontoer Sammlerin und Modeschmuckhändlerin Carol Tannenbaum. „Dies war eine Zeit des Optimismus, des Reichtums und des Wachstums, und der Modeschmuck von Dior war in dieser Zeit wirklich großartig.“ Es wurde in sehr kleinen Mengen mit viel Liebe zum Detail und zur Konstruktion hergestellt. Das von ihr geliehene Stück ist eine Maiglöckchenkette aus Perlen mit gegossenen Glasblättern.

„Das ist Fantasieschmuck, und er ist sehr selten.“ Es wurde von Roger Scemama, dem damaligen Schmuckdesigner von Dior, hergestellt.“ Tannenbaum fand es vor vielen Jahren auf der Kunstausstellung Armory in New York: „Es hat mich einfach beeindruckt.“ Ich habe ein Vermögen dafür bezahlt. Es musste meins sein. Es hat einen schönen langen Ausschnitt und liegt wie ein Kleidungsstück. Daran ist nichts Schüchternes.“ Sie nennt es „eines der großartigsten Stücke, die ich in meiner Karriere in 35 Jahren gesehen habe“ und sagt, sie habe es seit letztem Frühjahr bei einer Bar Mizwa in New York nicht mehr getragen. „Die Auktionshäuser haben mit dieser Zeit einen großen Tag“, und die Preise seien jetzt „erschreckend“, sagt sie.

Mode ist eine lebendige Kunst, die vom sozialen Kontext, der Bewegung und der Persönlichkeit des Trägers durchdrungen sein soll. Daher sind statische Museumsausstellungen für Kuratoren immer eine Herausforderung, sie zum Leben zu erwecken. Dieses ist aufgrund seines lokalen Kontexts überzeugend: Die Fantasiekleider scheinen irgendwie näher zu sein, weil sie auch Teil unserer Vergangenheit sind. Und trotz ihres natürlichen Sexappeals blieb die Modewissenschaft selbst aufgrund traditioneller Vorurteile lange Zeit hinter anderen Themen zurück, sagt Kollegin Sarah Fee , ein Kurator mit Schwerpunkt auf Textilien und Mode der östlichen Hemisphäre.

Laut Fee seien Mode und Textilien erst seit Kurzem beliebte Studiengebiete. „In den 60er, 70er und 80er Jahren wurden Textilien aufgrund männlicher Voreingenommenheit ignoriert. Doch in den 90er Jahren begannen feministische Anthropologen, den Zusammenhang herzustellen, dass Kleidung für Identität, soziales und religiöses Leben von zentraler Bedeutung ist. Die Mode ist wieder in den Fokus der Aufmerksamkeit gerückt, und zwar in einem solchen Ausmaß, dass wir kaum noch mithalten können.“ Die ständige Textilsammlung des ROM umfasst rund 55.000 Objekte, die von der Zeit vor Christus bis zur Gegenwart aus der ganzen Welt und allen Kulturen reichen. Die historischen Archive seien heute wichtiger, sagt Fee, weil Mode „nicht nur von Ost nach West, von West nach Ost, sondern nur von oben nach unten ein Phänomen ist“. Straßenkultur findet über Zeit und Raum hinweg statt.“ Mit dem wachsenden Interesse der Bevölkerung an Mode sind Modeausstellungen auch zu zuverlässigen Drehkreuzen für Museen auf der ganzen Welt geworden. Anna Wintours Met Ball ist zur exklusivsten Einladung im Promi-Land geworden; Der riesige Fototermin verankert den Modekalender, sammelt Geld für das Costume Institute im Metropolitan Museum of Art in New York City und eröffnet eine jährliche Modeausstellung. Paris veranstaltet derzeit auch eine Feier zum 70-jährigen Jubiläum von Dior im Musee des Arts Décoratifs. Palmer selbst ist Autorin eines Buches für die Victoria & Albert Museum in London mit dem Titel „Dior: A New Look, A New Enterprise 1947–57“; das V & A hat viele ausverkaufte Modeveranstaltungen veranstaltet, darunter Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier und Missoni.

Und statt eines Katalogs dieser neuen Ausstellung wird Palmer ein weiteres Buch produzieren, das sich auf die Dior-Stücke des ROM konzentriert, die Anfang nächsten Jahres auf den Markt kommen sollen. Illustriert mit Fotos des offiziellen Dior-Fotografen Laziz Hamani trägt es den Titel „Christian Dior: History“. & Modernity,1947-1957, (ROM Press 2018) Informationen zu Vortragsreihen und anderen Programmen im Zusammenhang mit der Show finden Sie unter:

rom.on.ca/en/dior