Christian Diors efterkrigstidens guldålder kommer till ROM

Men det markerade också ett ansikte för kvinnor, som lämnade tillbaka sina krigstidsjobb till män. Det innebar att de skulle byta in sina fabriksoveraller mot korsetter från 1800-talet och några mycket besvärliga kläder för att återgå till att hålla hus. New Look-dräkterna krävde mycket av bäraren. De var tunga, begränsade rörelse och andning och krävde en assistent eller två för att bli fastspänd i. Knappast befriande.

För att markera 70-årsdagen av grundandet av huset öppnar en utställning, med titeln Christian Dior, på ROM den nov. 25 och pågår till och med den 18 mars. Det sträcker sig över den ikoniska designerns guldålder, årtiondet från 1947 till 1957. Utställningen sponsras av Holt Renfrew - det lyxiga varuhuset var det första som tog med sig den franska couturierns verk till Kanada.

Att spåra hur dessa handgjorda underverk i de franska couture-ateljerna påverkade den transatlantiska handeln och kvinnors liv här i Toronto har varit i fokus för mycket av ROM-kuratorn Dr. Alexandra Palmers stipendium.

Palmer, som är seniorkurator, Nora E. Vaughans modekostymkurator har valt ut mer än 100 föremål, inklusive 38 outfits från ROM:s permanenta mode- och textilkollektion som visar upp dagslooker, aftonkläder och balklänningar för stora tillfällen. Det finns också lånade tillbehör och exempel på de intrikata broderier som användes av House of Dior under den perioden.

I utställningsförberedelseprocessen omvänd konstruerade museiteamet de otroligt komplexa mönstren, vägde och mätte och gjorde detektivarbete på detaljerna i de faktiska bitarna, vilket är hur de belyste sina kopplingar till historiskt mode. Många av dessa klänningar donerades av socialister från Toronto och Montreal, som bar dessa plagg här i Kanada.

De upptäckte också hur besvärliga dessa plagg faktiskt var att bära. Dessa klänningar använde "en hisnande mängd material", säger Palmer. För att göra kjolen till den formella balklänningen "Isabelle" från 1948, som är en höjdpunkt på utställningen, använde Dior två kompletta materialcirklar, cirka 13 meter tyg, eller för att sätta det i perspektiv, tillräckligt för att täcka ett par soffor.

Denna glada extravagans var kärnan i New Look, säger hon. Showens anteckningar, presenterade på ipadsinuservänlig kontrast till den gamla skolans formalitet hos föremålen de beskriver, citerar ett citat från Dior själv som dateras till 1956: "Kriget var över ... Vad betydde vikten av mina överdådiga material, mina tunga sammet och brokader? När hjärtan var lätta, kunde bara tyger inte tynga ner kroppen." Fållen mätte nästan 14 meter i omkrets: det är mycket händer (eller petites mains i couture-ateljéns språkbruk) och mycket sömnad. Ateljén arbetade med mästerbroderare. (Verk från tre broderihus som Dior anställde under det första decenniet - varav två är sedan länge nedlagda - finns representerade i showen.) Plus anpassade skor (några lånade från Bata Shoe Museum), accessoarer, smycken och hattar. Utställningen kommer att belysa det extraordinära och nästan förlorade hantverket hos hantverkarna som "producerade extraordinära band, pärlor, paljetter och broderier som Dior införlivade i sina klänningar med hjälp av sina fantasifulla mönstermakare, skräddare och sömmerskor", säger Palmer.

Dior-ateljén hade sin egen hytt eller permanent besättning av skyltdockor (alias modeller), och varje klänning passades på och bars av en specifik skyltdocka. De flesta skyltdockor gick för övrigt bara under ett namn, så de var faktiskt prototypen för moderna supermodeller. Varje klänning i utställningen har spårats tillbaka till skyltdockan som bar den i den ursprungliga showen.

"Dior visade en komplett look, hela paketet," säger Palmer. Men historien om vad klänningarna blev tillhör ägarna. Innan designerns "vintage" blev en så överhettad marknad, brukade socialister donera sina finesser till museer för korrekt bevarande och studier. "Fönstret på det håller på att stängas", säger hon.

Efterkrigstidens Christian Dior är en stark del av ROM-arkiven, och exempel i showen inkluderar en spektakulär höstsäsong 1957 cocktailklänning med namnet "Venezuela", som var en gåva från Toronto-filantropen Carol Rapp. Och Estate of Molly Roebuck donerade Dior-klänningen till den då 12-åriga Elaine Roebuck, en organdykonfekt i siden med bomullsbroderier, som bars till hennes Bat Mitzvah i Toronto våren 1957. Den unga flickans klänning visar Dior-stilen översatt i mer åldersanpassade detaljer.

Frågan till Palmer är: "Varför var Dior framgångsrik?" Ja, han hade djupa fickinvesterare i en tid av ekonomisk högkonjunktur. "Men folk var fortfarande tvungna att köpa in sig", säger hon, och återgången till mer snäva stilar efter friheterna med krigstidskläder verkar till en början kontraintuitiv. Men då handlar mode om reaktion. "50-talet måste hända för att 60-talet skulle hända", säger hon.

Dior hade "en mycket stark idé", säger hon, som resonerade med hur kvinnor ville se ut. "Det är mer än lång kjol, spännad midja och rundade axlar." Palmer har inkluderat en 1800-talsklänning i utställningen för att belysa den typ av tekniker som Dior återupplivade, inklusive dubbla livstycken och korsetter. "Men samtidigt var couture-ateljén hans forsknings- och utvecklingslabb", säger hon, och man ser idéer från tidigare samlingar expandera under efterföljande år.

Ett enastående smycke lånat till utställningen kommer från den berömda Toronto-samlaren och smyckeshandlaren Carol Tannenbaum. "Det här var en period av optimism, rikedom och tillväxt, och kostymsmyckena från Dior under den eran hade verklig storhet. Den gjordes i mycket liten kvantitet med stor medvetenhet om detaljer och konstruktion. Smycket hon har lånat är ett liljekonvaljhalsband av pärlor med gjutna glasblad.

"Detta är fantasismycken, och det är väldigt sällsynt. Den gjordes av Diors smyckesdesigner vid den tiden, Roger Scemama." Tannenbaum hittade den på Armorys konstmässa i New York för många år sedan, "Den imponerade bara på mig. Jag betalade en förmögenhet för det. Det måste vara min. Den har en vacker lång halsringning, och den ligger som ett plagg. Det är inget skyggt med det." Hon kallar det "en av de stora pjäserna jag har sett i min karriär på 35 år", säger hon att hon inte hade burit det sedan i våras till en bar mitzva i New York. "Auktionshusen har en fältdag med den här perioden", och priserna är nu "förbjudande", säger hon.

Mode är en animerad konst, menad att ingjutas av sociala sammanhang, rörelser och bärarens personlighet, så statiska museumsshower är alltid en utmaning för curatorer att väcka liv. Den här är övertygande på grund av sitt lokala sammanhang: Fantasyklänningarna verkar på något sätt närmare eftersom de också är en del av vårt förflutna. Och trots sin naturliga sex-attraktionskraft låg modestipendiet efter andra ämnen under lång tid på grund av traditionella fördomar, säger kollegan Sarah Fee , en curator med fokus på textilier och mode på östra halvklotet.

Mode och textilier har först nyligen blivit heta studieområden, säger Fee. "På 60-, 70- och 80-talen ignorerades textilier på grund av manlig partiskhet. Men på 90-talet började feministiska antropologer göra kopplingen att tyg är centralt för identitet, socialt liv och religiöst liv. Mode kom tillbaka på radarn och har fört det tillbaka till en sådan omfattning att vi knappt kan hänga med." ROM:en har cirka 55 000 föremål i sin permanenta textilkollektion, allt från f.Kr. till nutid, över hela världen och över kulturer. De historiska arkiven har mer relevans i dag, säger Fee, eftersom mode "inte bara är öst till väst, väst till öst, det är inte ett top-down-fenomen. Gatukultur pågår över tid och rum." I takt med att det populära intresset för mode växer, har modeutställningar också blivit pålitliga vändkors för museer runt om i världen. Anna Wintours Met Ball har blivit den mest exklusiva inbjudan i kändislandet; den gigantiska fotooperationen förankrar modekalendern och samlar in pengar till Costume Institute på Metropolitan Museum of Art i New York City och lanserar en årlig modeutställning. Paris är också värd för ett 70-årsjubileum av Dior på Musee des Arts Decoratifs. Palmer är själv författare till en bok för Victoria & Albert museum i London som heter Dior: A New Look, A New Enterprise 1947 -57; V & A har hållit många utsålda modeevenemang, inklusive Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier och Missoni.

Och i stället för en katalog över denna nya utställning kommer Palmer att producera ytterligare en bok, med fokus på ROM:s Dior-stycken som ska lanseras i början av nästa år. Illustrerad med foton tagna av den officiella Dior-fotografen Laziz Hamani, kommer det att heta Christian Dior: History & Modernity,1947-1957, (ROM Press 2018) För info om föreläsningsserier och annan programmering relaterad till föreställningen, gå till:

rom.on.ca/en/dior