La Edad de Oro de la posguerra de Christian Dior llega a la ROM

Pero también marcó un cambio radical para las mujeres, que estaban cediendo sus trabajos en tiempos de guerra a los hombres. Eso significó cambiar sus monos de fábrica por corsetería del siglo XIX y algunas prendas muy engorrosas para volver a cuidar la casa. Los conjuntos New Look exigían mucho de quien los llevaba. Eran pesados, restringían el movimiento y la respiración y requerían uno o dos asistentes para sujetarlos. Difícilmente liberadores.

Para conmemorar el 70º aniversario de la fundación de la Casa, el 1 de noviembre se inaugura en el ROM una exposición titulada Christian Dior. 25 y se extenderá hasta el 18 de marzo. Abarca la época dorada del icónico diseñador, la década que va desde 1947 hasta 1957. La exposición está patrocinada por Holt Renfrew: los grandes almacenes de lujo fueron los primeros en traer la obra del modisto francés a Canadá.

Rastrear cómo esas maravillas artesanales de los talleres de alta costura franceses afectaron el comercio transatlántico y la vida de las mujeres aquí en Toronto ha sido el foco de gran parte del curador de ROM, el Dr. El conjunto de estudios de Alexandra Palmer.

Palmer, quien es la curadora principal, Nora E. La curaduría de vestuario de moda de Vaughan ha seleccionado más de 100 objetos, incluidos 38 conjuntos de la colección permanente de moda y textiles del ROM que muestra looks de día, trajes de noche y vestidos de baile para grandes ocasiones. También hay accesorios prestados y ejemplos de los intrincados bordados utilizados por la Casa Dior en ese período.

En el proceso de preparación de la exposición, el equipo del museo realizó ingeniería inversa en los patrones increíblemente complejos, pesó y midió e hizo un trabajo detectivesco en los detalles de las piezas reales, que es como iluminaron sus vínculos con la moda histórica. Muchos de estos vestidos fueron donados por miembros de la alta sociedad de Toronto y Montreal, que usaron estas piezas aquí en Canadá.

También descubrieron lo incómodas que eran en realidad estas piezas. Estos vestidos utilizaban "una cantidad impresionante de material", dice Palmer. Para confeccionar la falda del vestido de gala formal "Isabelle" de 1948 que es un punto culminante de la exposición, Dior utilizó dos círculos completos de tela, unos 13 metros de tela o, para ponerlo en perspectiva, suficiente para cubrir un par de sofás.

Esta alegre extravagancia estaba en el corazón del New Look, dice. Las notas de la exposición, presentadas en iPads en un contraste fácil de usar con la formalidad de la vieja escuela de los artículos que describen, citan una cita del propio Dior que data de 1956: "La guerra había terminado... ¿Qué importaba el peso de mis suntuosos materiales, de mis pesados ​​terciopelos y brocados? Cuando los corazones eran livianos, las simples telas no podían pesar el cuerpo." El dobladillo medía casi 14 metros de circunferencia: es decir, muchas manos (o petites mains en el lenguaje del taller de alta costura) y mucha costura. El taller trabajó con maestros bordadores. (En la exposición se representan trabajos de tres casas de bordado que Dior empleó durante esa primera década, dos de las cuales desaparecieron hace mucho tiempo). Además de zapatos personalizados (algunos tomados prestados del Bata Shoe Museum), accesorios, joyas y sombreros. La exhibición resaltará la extraordinaria y casi perdida artesanía de los artesanos que "produjeron extraordinarias cintas, cuentas, lentejuelas y bordados que Dior incorporó a sus vestidos con la ayuda de sus imaginativos patronistas, sastres y costureras", dice Palmer.

El taller de Dior tenía su propia cabina o equipo permanente de maniquíes (también conocidos como modelos), y cada vestido era ajustado y usado por un maniquí específico. Por cierto, la mayoría de los maniquíes tenían un solo nombre, por lo que en realidad eran el prototipo de las supermodelos modernas. Cada vestido de la exhibición se remonta al maniquí que lo usó en la exposición original.

"Dior mostró una apariencia completa, el paquete completo", dice Palmer. Pero la historia de en qué se convirtieron los vestidos pertenece a sus dueños. Antes de que el diseño "vintage" se convirtiera en un mercado tan sobrecalentado, las personas de alta sociedad solían donar sus mejores galas a museos para su adecuada conservación y estudio. "La ventana para esto se está cerrando", dice.

Christian Dior de posguerra es un punto fuerte de los archivos ROM, y los ejemplos en la muestra incluyen un espectacular vestido de cóctel de la temporada de otoño de 1957 llamado "Venezuela", que fue un regalo de la filántropa de Toronto Carol Rapp. Y el patrimonio de Molly Roebuck donó el vestido Dior de Elaine Roebuck, que entonces tenía 12 años, una confección de organdí de seda con bordados de algodón, que usó en su Bat Mitzvah en Toronto en la primavera de 1957. El vestido de la joven muestra el estilo Dior traducido con detalles más apropiados para su edad.

La pregunta para Palmer es: "¿Por qué Dior tuvo éxito?" Sí, tenía inversores con mucho dinero en una época de auge económico. "Pero la gente todavía tenía que aceptar", dice, y el regreso a estilos más restrictivos después de las libertades de vestir en tiempos de guerra parece al principio contradictorio. Pero claro, la moda se trata de reacción. "Tenían que suceder los años 50 para que sucedieran los 60", dice.

Dior tuvo "una idea muy fuerte", dice, que resonaba con cómo querían lucir las mujeres. "Es más que una falda larga, una cintura ceñida y unos hombros redondeados". Palmer incluyó un vestido del siglo XIX en la exhibición para iluminar el tipo de técnicas que Dior estaba reviviendo, incluidos los corpiños dobles y la corsetería. "Pero al mismo tiempo, el taller de alta costura era su laboratorio de investigación y desarrollo", dice, y ves ideas de colecciones anteriores que se expanden a lo largo de los años siguientes.

Una pieza de joyería destacada tomada prestada para la exhibición proviene de la reconocida coleccionista y comerciante de bisutería de Toronto, Carol Tannenbaum. "Este fue un período de optimismo, riqueza y crecimiento, y la bisutería de Dior en esa época tenía verdadera grandeza. Fue realizado en muy pequeña cantidad con gran atención al detalle y la construcción. La pieza que nos ha prestado es un collar de lirio de los valles hecho de perlas con hojas de cristal vertidas.

"Estas son joyas de fantasía y son muy raras. Fue hecho por el diseñador de joyas de Dior en ese momento, Roger Scemama." Tannenbaum lo encontró en la exposición de arte Armory en Nueva York hace muchos años, "Simplemente me cautivó. Pagué una fortuna por ello. Tenía que ser mío. Tiene un precioso escote largo y queda como una prenda. No hay nada tímido en ello." Llamándola "una de las grandes piezas que he visto en mi carrera, en 35 años", dice que no la había usado desde la primavera pasada en un Bar Mitzvah en Nueva York. "Las casas de subastas se divierten con este período" y los precios ahora son "altísimos", afirma.

La moda es un arte animado, destinado a estar impregnado del contexto social, el movimiento y la personalidad del usuario, por lo que las exposiciones estáticas en museos son siempre un desafío para los curadores darles vida. Este es convincente debido a su contexto local: los vestidos de fantasía parecen de alguna manera más cercanos porque también son parte de nuestro pasado. Y a pesar de su atractivo sexual natural, los estudios sobre moda quedaron rezagados respecto de otros temas durante mucho tiempo debido a prejuicios tradicionales, dice su colega Sarah Fee. , curadora especializada en textiles y moda del hemisferio oriental.

La moda y los textiles se han convertido recientemente en áreas de estudio candentes, dice Fee. "En los años 60, 70 y 80, los textiles eran ignorados debido al prejuicio masculino. Pero en los años 90, las antropólogas feministas comenzaron a establecer la conexión de que la tela es fundamental para la identidad, la vida social y la vida religiosa. La moda volvió a estar en el radar, y la ha vuelto a traer hasta tal punto que apenas podemos seguirle el ritmo." El ROM tiene unos 55.000 artículos en su colección textil permanente, que abarca desde BCE hasta el presente, en todo el mundo y en todas las culturas. Los archivos históricos tienen hoy más relevancia, dice Fee, porque la moda "no es sólo de este a oeste, de oeste a este, no es un fenómeno exclusivo de arriba hacia abajo. La cultura callejera está sucediendo a través del tiempo y el espacio." A medida que crece el interés popular por la moda, las exhibiciones de moda también se han convertido en torniquetes confiables para museos de todo el mundo. El Met Ball de Anna Wintour se ha convertido en la invitación más exclusiva en el país de las celebridades; La sesión fotográfica gigante es un referente en el calendario de la moda, recauda dinero para el Costume Institute del Museo Metropolitano de Arte de la ciudad de Nueva York y lanza una exposición anual de moda. París también acoge actualmente la celebración del 70º aniversario de Dior en el Museo de las Artes Decorativas. La propia Palmer es autora de un libro para el Victoria & Museo Albert de Londres llamado Dior: una nueva mirada, una nueva empresa 1947-57; la V & A ha celebrado muchos eventos de moda con entradas agotadas, incluidos Alexander McQueen, Jean Paul Gaultier y Missoni.

Y en lugar de un catálogo de esta nueva exposición, Palmer producirá otro libro, centrándose en las piezas Dior de ROM que se lanzarán a principios del próximo año. Ilustrado con fotografías realizadas por el fotógrafo oficial de Dior, Laziz Hamani, se llamará Christian Dior: Historia. & Modernidad, 1947-1957, (ROM Press 2018) Para obtener información sobre series de conferencias y otra programación relacionada con el programa, vaya a:

rom.on.ca/en/dior